No dia que Claudia Andujar abriu sua gaveta fechada

A exposição Vulnerabilidade do Ser propõe a procura pelo eterno por Claudia Andujar a partir da foto de um parto, feita em Bento Gonçalves, no Rio Grande do Sul, em 1966. Uma luz de vela ilumina o nascimento e pronto: nada mais precisa ser dito. Fez-se a vida. A foto seguinte poderia ser a mesma, luz tênue, baixos contrastes, anos depois. Nela, uma criança da tribo Xicrin (etnia Caiapó) olha para confirmar o nascimento e anunciar a imagem seguinte, onde um menino Yanomami flutua - com seus olhos fechados de ave, o rosto ferido -, na água da cura. A quarta imagem fecha a epígrafe: outras duas crianças devolvem para a fotógrafa a sugestão dos traços que ela os fez ver. Com o indicador e o polegar em concha sobre os dois olhos, imitam o que está acontecendo diante de cada um deles. Assim, o criador passa a ser criatura.

Vulnerabilidade do Ser começa com o nascimento e segue com uma pontuação na vida da fotógrafa minuciosamente especulada. O Brasil viajante aos poucos vai aparecendo no que poderia ser um olhar estrangeiro, mas não é. O país se olha no espelho. Em sua procura pelo eterno Claudia Andujar leva para suas imagens a compreensão, a angústia, os devaneios dos que aqui vivem em busca da verdade. Toda a continuidade de Vulnerabilidade do Ser produz um som visual em movimento. O drama, os cortes, o modo de buscar o enquadramento (Razão? Intuição?) e os personagens se arredondam para falar de uma incessante busca pela compreensão. Há reflexos na fotografia de Andujar tanto quanto no pensamento de Brecht: "O destino do homem é o próprio homem".

Mas o que seria a fotografia se ela não tivesse esse inesgotável poder de transformação?

Novamente como se escrevesse poemas nas paredes, a fotógrafa lida com seus instantes para perpetuar outros, como os da seqüência onde primeiro aparece uma mulher recortada por uma moldura bizantina, olhando de frente, numa favela do Rio de Janeiro, o leite derramando... A fotografia é iluminada como uma pintura do século XIX . Na imagem seguinte, a luz se dilui nos tons escuros de outra figura feminina vista tão somente por frestas, fotografada em Feira de Santana, onde os mesmos olhos falam de vulnerabilidade, ao mesmo tempo em que, ali, na fotografia, a poética da imagem é até capaz de superar a solidão.

Em outro momento, ao tocar na sina da morte com a mesma delicadeza de quem busca um significado para a vida, Andujar não se assusta diante do imponderável. Muito pelo contrário. Muitas vezes sugere esboços ou estudos sobre o tema para chegar à uma conclusão final, como numa imagem feita em 1961, no interior de São Paulo, onde uma imigrante japonesa arruma serenamente uma mesa. Duas figuras masculinas acendem e apagam, num jogo de formas, em segundo plano. A cena é tão rigorosamente bem construída e provocante que dá a entender que a mulher se despede de um entequerido. Um círculo de ouro envolve todo o prisma da imagem.

Mais adiante, a fotografia de um trabalhador morto por acidente, na construção da Perimetral Norte, em Roraima, 1974, é tão impactante em sua totalidade e no seu plano fechado - luz vazada por entre as tabicas de madeira; a rede derradeira que quase envolve seu corpo; a perspectiva vinda do alto, como se aquela mesma alma, numa outra dimensão, olhasse seu corpo estendido – que fez com que o exímio artista laboratorista Silvio Pinhatti tivesse dificuldade para ampliar a fotografia em grande escala. "O que me chamou a atenção, revendo o meu trabalho, é que em todos os momentos eu sempre procuro no outro a beleza, não exatamente uma beleza física, mas uma beleza que vem desse amor que tenho pela humanidade. Isso não muda diante da morte. A morte teve, na minha infância, um papel muito importante: eu perdi parte da família do meu pai exterminada pelo nazismo. Isso é uma coisa que me persegue, e me persegue também por eu estar viva e eles estarem mortos. Sinto uma certa culpa. Nessa exposição eu tento, na segunda parte, Territórios Interiores, entender essa inquietude, superar a vulnerabilidade da vida incorporando o Cosmo na sua totalidade, na tentativa de encontrar uma resposta maior".

A teatralidade com a qual Claudia Andujar "veste" as suas fotografias nos três momentos inicias de Territórios Interiores, nos faz crer que ao lançar os dois fachos de luz sobre o chão de uma maloca Yanomami, a presença do homem daria lugar à outra natureza, gêmea, quando em seguida – e como num teatro de sombras – a projeção de um Louva-a-Deus faz a passagem para os dois únicos personagens de toda a seqüência: um índio organiza uma espécie de transe (fragmentos de luz) em torno de si mesmo e outro, André (nome branco), em posição de lótus, respira um ponto de silêncio e "conciliação" num instante onde nada precisa ser dito. É a partir daí que vem a abstração das imagens, nada abstratas (se realidade é abstração?), impregnadas de águas, pedras, folhas, tempo, memória.

Diógenes Moura
Curador
Extraído do texto ‘No dia que Claudia Andujar abriu sua gaveta
fechada’, que integrará o livro que será lançado pela Cosac Naify.